Blog de Damien Deshayes

Ce soir, à 22h30, ARTE diffuse un documentaire sur l'opéra "La Mouche" de David Cronenberg et d'Howard Shore. Même si cette adaptation lyrique du film n'a pas particulièrement convaincu la critique, qui a été assez dure à l'égard d'Howard Shore, c'est l'occasion pour ceux qui n'ont pas assisté aux représentations (j'en fais partie) d'entendre quelques extraits de l'opéra afin de juger sur pièce! Je serai donc devant mon poste ce soir!

En 1986, David Cronenberg réalise «La Mouche». La musique du film est composée par Howard Shore, qui signe depuis toujours la partition des films du cinéaste. Le triomphe public et critique propulse les deux hommes vers les sommets. Vingt ans plus tard, Howard Shore et David Cronenberg se retrouvent pour faire de «La Mouche» un opéra : David Henry Hwang écrit le livret, Dante Ferretti s'occupe des décors et Placido Domingo accepte la baguette de directeur musical. Des premières répétitions à la création au Théâtre du Châtelet en juillet 2008, David Cronenberg raconte les étapes de cette aventure.

Comme la majorité des internautes, je suis un très gros utilisateur de Facebook, que j'utilise à des fins essentiellement professionnelles depuis 2007. J'ai longtemps hésité à créer ma fan-page facebook à vrai dire parce que je pensais que ce serait une démarche déplacée pour un petit compositeur. Finalement, voyant que beaucoup des mes jeunes collègues l'avaient fait, j'ai sauté le pas à l'occasion de la sortie de mon long métrage. Si vous désirez donc suivre mon actualité autrement, la page se trouve à cette adresse!

Voilà! L'information est passée

Vous n'en avez peut-être jamais entendu parler. Et pour cause, Tomáš Dvořák semble essentiellement connu en République Tchèque sous le pseudonyme de Floex. En 2009, pendant 8 mois, ce jeune compositeur a écrit la musique du jeu vidéo Machinarium, développé par le studio tchèque indépendant Amanita Design. Ce point-&-click qui reprend le concept de Myst, a su élaborer un univers immersif en 2D extrêmement travaillé, ce qui lui a valu un accueil critique très favorable à sa sortie. Ce jeu vidéo reste pourtant méconnu, et il le serait peut-être encore resté longtemps si Amanita Design n'avait pas décidé de vendre à prix cassé (c'est à dire 5 euros) le jeu vidéo et sa bande son en téléchargement.

La réussite du jeu tient beaucoup au talent de Tomáš Dvořák. Avec peu de budget et un home studio très modeste, le compositeur tchèque nous livre une bande son contemplative, minimaliste et envoûtante à base de bruits et de sons robotiques ponctués par quelques instruments acoustiques. Sans être révolutionnaire, cette approche, néanmoins originale et instructive, m'a beaucoup impressionné. Un compositeur à suivre donc!

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Entretien sur son travail

Alors que tout le monde part en vacances autour de moi, je consacre tout mon été à écrire Eyengui, une pièce pour chœur et piano (avec probablement un instrument soliste supplémentaire) que le Chœur Mélisande doit créer l’année prochaine. Avec cette pièce, je tente d’évoquer musicalement les efforts du peuple pygmée pour renouer la communication perdue avec leur dieu des rêves, reprenant ainsi le sujet du documentaire éponyme passé sur ARTE il y a quelques années. Je continue ainsi d’approfondir des sujets qui me tiennent à cœur depuis longtemps : la disparition des cultures et les enjeux environnementaux (les pygmées sont victimes de la déforestation).

Après mon long, j’ai vécu cette « crise » créatrice qui conduit à être tout à coup plus exigeant avec soi-même et à vouloir se transcender une nouvelle fois. C’est une sensation assez douloureuse parce qu’en nous rongeant elle nous empêche de ressentir les choses et de créer. Dans ces moments là j’ai souvent envie de renier une partie de mon œuvre de concert ou du moins de la réviser entièrement ; comme si je voulais consolider les fondations avant de construire un nouvel étage. Chose curieuse, c’est un sentiment que je ne connais pratiquement jamais quand j’écris de la musique de film.

C’est la première fois que je compose pour chœur, et il faut bien avouer que ce n’est pas un exercice évident lorsqu’on désire s’aventurer au delà des chants et basses donnés du cours d’écriture. Les contraintes que je me suis fixé n’étaient par ailleurs pas très faciles à contourner : comment associer les polyrythmies répétitives à 4 voix et les gammes pentatoniques et anhémitoniques des pygmées, avec mon souhait de travailler des harmonies subtiles et des contrepoints travaillés, sans singer la musique répétitive de Steve Reich ou rappeler les échantillons ultra connotés des albums de Deep Forest? Les ressources bibliographiques étant très rares voire inexistantes (en allant à la BPI, je n’ai trouvé que deux articles), j’ai « étudié » la musique de ces tribus pendant quelques semaines en relevant les mélodies et leurs contre-chants que je pouvais écouter sur des disques qui leur étaient consacrés .

Puis, connaissant déjà bien la musique chorale atonale (Xenakis, Ligeti, Penderecki), qui n’a pas sa place à mon sens dans Eyengui, j’ai entrepris pendant tout le mois l’écoute de musiques chorales tonales. J’ai emprunté au hasard deux disques à la médiathèque : l’un de Sir John Taverner (à ne pas confondre avec le compositeur de la Renaissance) et l’autre de James MacMillan. Ce contact avec la musique sacrée britannique immédiatement contemporaine (je connaissais déjà la musique de Britten et de Richard Rodney Bennett) a été un premier choc. Les mélismes de James MacMillan me subjugent littéralement. Il semblerait que ces broderies soient inspirés par la musique celtique, mais de mon côté j’entend surtout une technique vocale très proche des polyphonies Corses - je suis très impatient de recevoir les partitions - très abordables - que je me suis acheté cette nuit pour poursuivre l'analyse de son oeuvre.

Vous pouvez écouter la BOF de Child Play à cette adresse. Le film a été réalisé par Jordan Beswick, un cinéaste américain à la carrière bien remplie que j'ai été ravi de rencontrer. Son court métrage, tourné en langue anglaise (Jordan ne parle pas le français), raconte l'histoire d'un jeune père homosexuel (Yvon Martin) plutôt épanoui qui doit faire avec les problèmes de son entourage... Je n'ai eu à signer que le générique de fin de ce film essentiellement dialogué et interprété par des acteurs habités.

J'ai choisi une approche contemplative, avec un piano, un célesta, un piano électrique et quelques nappes. Même si dans l'ensemble le morceau final paraît volontairement très serein (l'état du personnage principal), mon but était aussi de distiller dans cette musique quelques sonorités enfantines (pour symboliser ces personnages qui n'arrivent pas vraiment à maîtriser leur vie - célesta) avec quelques sons un peu moins lisses intégrés de manière très subliminale (nappes qui symbolisent l'état d'esprit un peu torturé de ces mêmes personnages). Le piano électrique était une façon de proposer une sonorité douce à mi chemin entre l'enfance et le monde adulte.

Alors que je lui disais que l'enregistrement ne serait peut-être plus nécessaire, Jordan a quand même voulu que j'enregistre en studio au risque de dépenser pour rien (un luxe dans le milieu du court métrage!). J'ai donc passé une heure au studio Kadence à interpréter la ligne mélodique au piano. Sur sa demande, je lui ai fait écouter quatre versions à l'aveugle: deux versions identiques avec le même piano synthétique, une version avec le piano acoustique enregistré avec un couple de Neuman U 67 et une autre avec un couple de micros Lem customisés par Jean Marnay, placés à mi-hauteur au dessus de la table d'harmonie.

Contre toute attente, alors que je m'étais attaché à la prise du Neuman, le réalisateur a choisi en aveugle la 4e version, l'une des deux versions synthétiques. Jordan a pourtant une excellente oreille, il a ainsi entendu de lui-même, dans ma 3e maquette, la note de piano électrique (a thump sound me disait-il) qui me gênait, que je comptais modifier mais que je ne pensais pas être entendue par un "néophyte". Malgré cela, il a choisi une version synthétique plutôt que l'autre, alors que c'était exactement la même, et l'a préféré aux versions acoustiques. Certes, j'avais également enregistré la fin de la ligne mélodique à une octave supérieure de la maquette originelle, mais je trouve cette expérience révélatrice!